¿PRODUCTOR O PROFESIONAL DE LAS MIL COMPETENCIAS?

Después de bastantes semanas sin publicar una entrada, regresamos una vez más para hablaros sobre un seminario al que hemos podido asistir y donde hemos podido conocer las labores principales de la figura del productor de televisión. En defensa por nuestra ausencia diremos que el último mes hemos estado enfrascadas de lleno en la postproducción del documental que podréis ver próximamente en nuestra cuenta de YouTube, así como en este blog.

El seminario ha contado con la presencia de Imanol Otaegi, productor de la exitosa serie ‘Goenkale’ que se emite en ETB 1 (canal de la televisión pública vasca) y que ya rueda su decimosexta temporada, tras diecinueve años manteniendo una audiencia fiel y, sorprendentemente, joven.

Actores de Goenkale en uno de los escenarios de la serie

Otaegi resume la labor del productor en tres premisas fáciles de entender:

-Relaciones Públicas: El productor es el encargado de coordinar numerosos y distintos departamentos; todos necesarios para que el proyecto audiovisual salga adelante, a pesar de que se relacionan entre sí a través de este profesional, que debe lidiar con todos ellos, con sus necesidades y propuestas.

-Diplomático: El productor debe lograr acuerdos entre los diferentes departamentos, compuestos por profesionales que desean defender su trabajo por encima de todo y que, en ocasiones, deben dar su brazo a torcer ante la imposibilidad de llevar a cabo sus propuestas.

-Apagafuegos: El 70% de las llamadas que recibe el productor consiste en problemas imprevistos que deben ser solucionados en un tiempo récord: Un actor que enferma, un equipo de iluminación que debido a un atasco no puede llegar a tiempo para rodar una escenar determinada, etc. El productor debe tener soluciones para todos los inconvenientes que puedan surgir, de modo que debe contar con un plan B, C, D, E y todos los que sean necesarios.

Por otra parte, Imanol no ha dejado de recordarnos que últimamente se tiende hacia la versatilidad del profesional, de modo que no es raro encontrar un cámara que es, a su vez, su propio regidor y editor. La clave en esta época de crisis es ahorrar costes, sea como sea y, por ello, cada vez son más numerosos los programas, series y concursos low cost.

En cuanto al proceso de producción de una obra audiovisual, se ha hecho hincapié durante la explicación  en que, después del proceso de postproducción, se contempla un último paso: la comprobación del feedback, es decir, la respuesta que da la audiencia durante y después de la emisión del programa. Esto permite al productor conocer qué tramas atraen más al público o qué personajes gustan más. De este modo, para el siguiente capítulo de la serie pueden potenciarse los momentos narrativos que funcionan.

“Las épocas de nuestra vida se pueden fijar en el recuerdo en función de la programación televisiva”

Filmattack

A VUELTAS CON EL SONIDO

Lo prometido es deuda: Tras asistir al segundo seminario dedicado exclusivamente al sonido os relatamos de nuevo la experiencia y os animamos a que, si tenéis la posibilidad de asistir a alguna clase magistral relacionada con el ámbito audiovisual, no dudéis en asistir. No os arrepentiréis. En esta ocasión, Iñaki Alonso nos ha explicado diferentes posibilidades que ofrece el programa Soundtrack Pro (incluido en Final Cut Pro, que es  el software con el que editamos nuestros proyectos) a la hora de adaptar el sonido según las necesidades de la obra en la que trabajemos.

Esta vez no hemos recibido tantas pautas de trabajo como pudimos aprender en la anterior sesión ya que se ha tratado de un seminario donde ha primado la práctica, de modo que no podemos lanzar los consejos tan alegremente como en el anterior post. Aún así, queremos destacar la increíble paleta de efectos y opciones que podemos aplicar a un sonido con un solo click del ratón. Así, evitamos tener que hacer malabarismos durante el rodaje: Soundtrack Pro nos permite crear desde ecos y reverberaciones hasta transformar una melodía en una sintonía radiofónica. De hecho, es más difícil encontrar lo que no se puede hacer en postproducción que lo que sí.

Destacamos la sencillez del programa Soundtrack Pro, cuyos botones básicos están muy a mano y  que permite eliminar e incluir ventanas con información y opciones a gusto del editor. Sobra decir que quien puede desenvolverse con el Final Cut Pro encuentra en Soundrack Pro una herramienta muy fácil de utilizar, pero que requiere casi tantas horas de dedicación como la imagen. Eso sí; a la hora de trabajar sobre los ruidos y los silencios, debemos proveernos de unos buenos auriculares que no coloreen el sonido y que nos permitan apreciar cada matiz de la misma forma que ha sido grabado.

 Pantallazo del programa Soundtrack Pro

¡Ya estamos deseando pulir el sonido de nuestro microdocumental!

“Ningún sonido concentra tanta perversidad y malicia en un volumen muy pequeño como el zumbido del mosquito”

Filmattack

PROBANDO, PROBANDO... ¿SE ESCUCHA?

Los miembros de Filmattack estamos disfrutando de unos seminarios relacionados con conceptos técnicos imprescindibles en la realización y producción audiovisual con la intención de que estos conocimientos express que estamos recibiendo se reflejen en nuestros futuros proyectos.

La semana pasada os dimos unas pequeñas pinceladas de lo realmente básico en cuanto a iluminación se refiere. Ahora nos centraremos en el sonido gracias a la clase magistral de Iñaki Alonso:

-“El audio está bien si el diálogo está bien”. Quedaos con esta cantinela porque, por sencilla que parezca, es la pauta de oro que nos permitirá grabar sonido en directo de calidad. Lo que resume esta cita es que el diálogo es la única parte sonora que no se puede recrear en postproducción y, por eso, hay que asegurarse durante el rodaje de que está entrando bien, que se escucha con claridad y sin ruido ambiente que ensucie el audio.

-Otra frase que da que pensar: “Es más importante unos buenos auriculares que un buen micrófono”. Es probable que para un profesional del sonido que lleva años trabajando con los cascos puestos, le sea muy difícil imaginarse su labor sin ellos. Sin embargo, unos aficionados que cuidan el audio del proyecto lo justo y necesario pueden verse sobrepasados con la tarea de escuchar a través de los auriculares, y lo que es peor, discriminar el sonido válido del que no lo es. Creemos que éste es un aspecto del sonido en directo que no está al alcance de todo el mundo y que requiere años de experiencia.

-Siempre y cuando sea posible, es conveniente grabar wildtracks de escasos minutos en todas las localizaciones en las que rodamos, empleando para ello el mismo micrófono y direccionándolo de la misma forma que se ha hecho durante la grabación de la escena con diálogo. Los wildtracks nos permitirán mantener la continuidad sonora que a veces se pierde en postproducción debido a los constantes cortes en las tomas donde únicamente nos quedamos con una pequeña parte de todo lo grabado. Únicamente situando el wildtrack correspondiente en una pista de sonido durante la edición de la escena ya nos aporta la continuidad perdida.

-La pértiga es un instrumento que no ha de ser manipulado de la forma que al pertiguista le resulte más cómoda, sino que hay formas correctas e incorrectas de colocar las manos para sostener la pértiga con el micrófono de cañón atornillado en su extremo, del mismo modo que hay una posición concreta de los dedos a la hora de sostener el arco de un violín. No todo vale y, por eso, hay que tener en cuenta el buen uso de los utensilios técnicos para grabar el sonido adecuadamente.

Iñaki Alonso sosteniendo adecuadamente la pértiga durante el seminario de sonido directo

-Respecto a los distintos tipos de micrófonos disponibles (micrófonos de cañón, de mano, inalámbricos, corbateros, etc.), hay que emplear el más adecuado atendiendo a si estamos grabando en interior o exterior y dirigirlo dependiendo del sujeto que emita el sonido, para lo que tendremos en cuenta si se trata de un micrófono cardioide, supercardioide o hipercardioide. Esto es particularmente llamativo en el caso del micrófono de cañón, que es muy sensible a la dirección del sonido y, por tanto, deberá ser movido para captar de forma óptima la voz del interlocutor. Además, como se trata de un micrófono especialmente adecuado para el rodaje en exteriores, dispone de una cesta antiviento a la que se le puede sumar el rycote en caso de que el ruido por el viento sea aún más notorio. 

Próximamente ampliaremos nuestros conocimientos sonoros con un seminario sobre postproducción al que haremos referencia en una nueva entrada en el blog. Os mantendremos informados.

“Hoy en día la fidelidad solo se ve en los equipos de sonido”

Filmattack

ENTRE FOCOS Y GELATINAS

Si el 12 o 13 de noviembre os dejasteis caer por la Facultad de Ciencias Sociales y de la Comunicación, pudisteis haber disfrutado de un seminario sobre iluminación impartido por el Director de Fotografía Javier Aguirre. He aquí algunas de las películas en las que Javier ha participado como Director de Fotografía: "La pelota vasca, la piel contra la piedra", "Aupa Etxebeste!", "Alabama", "Bi anai", "Urte berri on amona!" entre otras. 

Ahí van una serie de conclusiones para poneros los dientes largos:

-A la hora de tener en cuenta la luz, el tipo de instrumentos de iluminación y la posición de los mismos que debemos emplear en una escena concreta, hay que pensar previamente en la temperatura de color con la que contamos previamente (si la luz dominante es fría o cálida tenemos), la intensidad de luz de las fuentes (para diferenciar entre fuente de luz principal y secundaria) y la calidad de la misma, es decir, si se trata de luz dura o luz suave. Todo ello sin olvidar el propio criterio del iluminador, que es esencial para plantear la iluminación de un espacio.

 Modelo aditivo de colores rojo, verde y azul (más conocido por sus siglas en inglés, RGB)

-Separar al personaje del fondo y buscar una composición de la escena donde las líneas y elementos de la misma dirijan la mirada del espectador hacia el personaje debe ser una de las prioridades a la hora de estructurar la iluminación de un escenario.

-Además, hay que recordar que para obtener un mismo efecto mediante la manipulación de la luz, existen varias formas distintas de lograrlo gracias a la combinación de gelatinas de colores (azules, magentas, naranjas y verdes son las más comunes), filtros, viseras de los focos y reflectores (con los que incluso podemos recrear efectos de iluminación similares al fuego o al agua).

-Para neutralizar el color del personaje central del encuadre conviene colocar delante de la fuente principal de iluminación del personaje gelatinas que imiten al color dominante de la escena. Así, emplearemos la gelatina azul si la luz dominante es fría, y gelatina naranja si la luz dominante es naranja. Además, si las luces dentro del encuadre tienen matices como tonos verdosos o rojizos, añadiremos a las gelatinas previamente colocadas otras del mismo color que los matices particulares de la escena.

“A pesar de que el sol se ha ido, tengo una luz”

Filmattack